Festival EL CRUCE Rosario 2026 ▷ programación de obras

Llega una nueva edición del Festival El Cruce para poner en valor nuevamente la escena contemporánea.

Del 8 al 13 de septiembre distintos espacios de la ciudad se llevará a cabo el evento organizado por la A sociación Colectivo de Artistas Independientes del Movimiento de Rosario.

Contará con presentaciones gratuitas y otras con entradas populares a $10000 para toda la jornada (2×1 para estudiantes de escuelas artísticas y socios de Cobai gratis).

La grilla de cada año cuenta con propuestas atravesadas por el humor, investigaciones sobre el cuerpo y el movimiento, cruces con otros lenguajes artísticos y experiencias más físicas, poéticas, sensibles o experimentales.

En esta edición, la identidad de El Cruce adquiere un sentido particular a partir de su título y eje curatorial: “Periferias Compartidas”. Un título que responde al objetivo de poner en relación diferentes contextos, territorios, modos de creación y maneras de entender las artes del movimiento. Más que responder a la representación de un único estilo o escuela, los artistas invitados aportan distintas trayectorias, estéticas, técnicas y sensibilidades, construidas desde sus propios contextos culturales y geográficos.

Programación de obras del Festival El Cruce

Martes 8 de septiembre

Instituto Superior Provincial de Danzas “Isabel Taboga” (Sarmiento 1164)

Entrada gratuita

Semilla del Aire

Compañía: Compañía Escaleno

La obra propone un viaje cartográfico en la búsqueda de una memoria viva que al ponerse en acto revela las relaciones establecidas con lo Otro y los otros: seres vivos en estados vegetales, animales, minerales. Estas reminiscencias llevan al espectador a un trabajo sobre la memoria. Se evidencian los rasgos culturales e identitarios y multiplicidad de significantes enredados que nacen de sonidos, voces y palabras resonantes en imágenes en movimiento. Es la historia de una mujer atravesada por las energías cíclicas de lo vegetal, animal y humano. Inspirada en el poema de A. Yupanqui “Tiempo del Hombre”, abordado desde la genealogía de la intérprete.
Ficha artística:
Intérprete: Alejandra Valdés
Música Original: Alexis Perepelycia
Diseño de iluminación: Eduardo Safigueroa
Escenografía: Paola Di Stilio
Vestuario: Maxi Orieta
Asistencia de dirección: María Levalle
Dirección general: Alicia Boggián

La Cripta. Exhumación Teatral

Compañía: Colectivo Escénico Ficción Física

La Cripta. Exhumación Teatral es una experiencia escénica creada por el colectivo Ficción Física que indaga en las ficciones, creencias y fantasmas que habitan los cuerpos y la vida cotidiana. En un espacio donde lo real y lo teatral se confunden, la obra convoca voces, presencias y restos para preguntarse por aquello que persiste, aun después del derrumbe. Una exhumación poética de los relatos que nos constituyen y de los mundos que imaginamos para seguir habitándolos.

Ficha artística:
En escena: Diego Stocco, Ulises Fernández, Mauro Cappadoro
Máscaras y vestuario: Cristian Ayala, María Carolina Leali
Música: El Pájaro de Fuego. Igor Stravinsky
Dirección: Marcelo Díaz, Alejandra Anselmo

Digital. Ejercicio para la memoria corporal

Creación e intérprete: Virginia Tuttolomondo

Esta pieza coreográfica es un encadenado de exploraciones sensibles combinadas con algunas secuencias rítmicas y “formas de danza” de otra época, de la danza de la creadora, hace 18 años. En el intento de poner a dialogar aquella bailarina con la bailarina que es actualmente, e inspirada también por las experiencias que la atravesaron, esta obra la impulsa a moverse poniendo el eje en el diálogo que las memorias activan en este encuentro.

Ficha artística:

Creación e intérprete: Virginia Tuttolomondo

Colaboración artística / Asistencia coreográfica: Abigail Gueler

Vestuarista: Flor Barraza

Música: Claro Intelecto

Les Amateurs

Compañía: Les Amateurs

Les Amateurs propone una performance de canciones propias y ajenas con elementos de la danza y recitados compuestos a dos voces. El sentido de la palabra en la voz cantada, escrita y hablada, entretejen este acontecimiento tentacular que se despliega en un recital híbrido y sensual. Condensando una dramaturgia de lo cercano, íntimo y afectivo, como una práctica para encontrar sentidos, desviarlos, torcerlos y perderlos, a través de relatos eróticos, pequeñas danzas, canciones manifiestas, covers y más. Las fantasías son tener una banda punk, tocar un instrumento de cuerdas y ser el sueño de Federico Moura….

Performers: Soledad Verdun, Abigail Gueler

Pistas en vivo: Juliana Camelli

Asesoramiento vocal: Ivonne Brangier

Asesoramiento técnico: Martin Grecco

Creación y producción: Grupal

Miércoles 9 de septiembre

Plataforma Lavardén (Mendoza 1085)

18 hs – entrada gratuita

Cada vez otra vez (estreno)

La obra explora la repetición como experiencia del presente. Un conjunto de cuerpos ejecuta acciones simples que se reiteran, se desplazan y se desgastan en el tiempo. No hay clímax ni resolución: sólo la insistencia.
El movimiento no avanza hacia una meta, sino que permanece. Cada gesto vuelve, casi igual, pero nunca idéntico. La escena se convierte en un espacio de ensayo continuo donde el tiempo no produce, no acumula, no progresa: simplemente sucede.

Ficha artística:
Cuerpxs danzantes: Amalia Aguirre, Sonia Petric, Milagros Fazzari, Aaron Lescano, Romina Perotti, Vicky Máspero
Diseño de luces: Niche Almeyda
Diseño de Vestuario: Francisco Nakayama
Diseño de Gráfica: Vicky Máspero
Dirección general: Rut Pellerano

Los sueños. Fotomontajes escénicos

Compañía: Los sueños

Los años 50 colorean el paisaje de seis mujeres ¿Qué esconden? ¿Cuáles son sus anhelos prohibidos? ¿Qué temen? ¿Qué las mueve?
Junto a sus prendas predilectas, sus cuerpos cuelgan de un inmenso perchero, como cuelgan sus frustraciones de mujer- clase media- argentina, pero ninguna de estas es capaz de esconder lo que por los poros les sale.

Ficha artística:
Obra: “Los Sueños. Fotomontajes escénicos”
Autoría: Creación colectiva
Idea y dirección: Virginia Tuttolomondo
Intérpretes: Lucia Quiroga, Abigail Gueler, Julia Carey, Antonella Albertosi, Florencia Rocco, Estefanía Salvucci, Clara María Abad y Wendy Gilt.
Música original: Martín Salvador Greco y Alejandro Joaquín Coria
Asistencia de dirección: Diego Stocco
Operación técnica: Mario Armas
Diseño de iluminación: Carla Tealdi
Vestuario: Guillermina Elinbaum
Fotografía y video: Francisco Castillo
Diseño gráfico: Diego Stocco

Jugar con lo que amamos

Compañía: Seisenpunto

Las distintas obras de su repertorio son el punto de partida y detonadores de memoria que habilitan a seguir explorando los campos creativos de las mismas. La propuesta es hacerlas dialogar, desdibujando sus contornos, jugando con las infinitas posibilidades de relaciones y haciendo estallar su sentido originario.
Actualizar el pasado sin melancolía, jugar a armar y desarmar, relacionar, agitar, reunir, enredar, componer… barajar y dar de nuevo.

Ficha artística:
Cristina Prates, María Rosa Mognaschi, Griselda Montenegro, Ana Varela, Yerutí García Arocena.

CEC – Centro de Expresiones Contemporáneas (Paseo de las Artes y, el río Paraná) – 19hs – Entrada $10mil.

Zona de sacrificio (Brasil)

Se trata de una investigación escénica sobre las consecuencias de la minería, uniendo danza, teatro y performance en tres movimientos distintos. El primer movimiento plantea la pregunta: “¿Y si la minería fuera un dios?”, explorando los sacrificios exigidos por esta deidad a través de un surrealismo grotesco. El segundo se centra en el lenguaje publicitario de las empresas mineras, criticando jergas y promesas vacías mediante la figura del coach. Finalmente, el tercer movimiento presenta imágenes y testimonios de habitantes del interior de Minas Gerais, abordando la realidad enfrentada por aquellos impactados por los crímenes ambientales. La obra desafía al espectador a reflexionar sobre la complejidad y los costos de la minería, profundamente ligada a la historia de Brasil.

Ficha artística:
Idealización y performance Carolina Correa

Dirección y dramaturgia Lara Duarte

Dramaturgismo Carolina Correa y João Borges

Instalación visual João Borges

Dirección de arte Victor Paula

Identidad visual Gabriela Abdalla

Preparación corporal Thembi Rosa

Escenografía Alexandre Brasil

Música original O Grivo

Iluminación Flávia Mafra

La política del malestar (Chile)

La Política del Malestar aborda la relación entre salud mental, cuerpo y condiciones contemporáneas de existencia. La obra se pregunta cómo formas de vida atravesadas por la productividad, la aceleración, la adaptación permanente y la exigencia de rendimiento impactan física y emocionalmente a las personas, generando experiencias de ansiedad, agotamiento, frustración, miedo y sensación de insuficiencia que suelen ser comprendidas como problemas individuales.

La propuesta cuestiona esa mirada y comprende estos malestares como síntomas compartidos de una época marcada por la sobreexigencia y la precarización de la vida.

Creadora y Performer Pita Torres

Diseñador de iluminación y operador técnico Jorge Espinoza Galindo

System Failure

Compañía: Idam Ballet

«System Failure» es una obra que fue armándose de forma progresiva a partir de la investigación del movimiento, primero como forma pura, hasta llegar a la raíz de lo que mueve a los seres humanos.
Cuando el sistema empieza a fallar, y aparece el error, comienza a haber lugar para lo disruptivo y la crítica al sistema actual. A partir de allí, el movimiento se vuelve más orgánico, más suelto, más humano. No hay un final, hay un despertar, hay un nuevo comienzo.

Coreografía: Angie Capriotti

System Failure: Lourdes Amelong, Julia Bacigaluppo, Catalina Curcio, Lucía

García Vidal, Helena Machicado, Clara Iglesias, Agustina Pappalardo y

Micaela Sciaratta.

Jueves 10 de septiembre

CEC – Centro de Expresiones Contemporáneas (Paseo de las Artes y, el río Paraná)

Mover a ser niñx (Chile) – 38′

Es una performance de diseño escénico concebida para espacios públicos y no convencionales. A partir de la revisión y estudios de archivos familiares en formato VHS , la obra investiga la memoria física y emocional de la infancia temprana.

La pieza propone un viaje corporal y visual que traslada la vulnerabilidad, la torpeza y el descubrimiento del movimiento infantil hacia la adultez. Tres dispositivos en diálogo con los cuerpos de performers y espectadores.

Ficha técnica

Dirección y diseño integral: Valentina Vergara

Performers: María José Bretti Natalia Figueroa

Asist. coreográfica: Camila desdiore

Diseño sonoro: Óscar Oviedo

Dirección de foto y cámara: Sofía Martínez

Edición y montaje: Felipe Roa

Algo de mí

Compañía: Sofia Coloccini

¿Cómo se sostiene un cuerpo? Esta pieza es un viaje hacia el centro del recuerdo. El cabello, como una extensión de la memoria, se convierte en el único amarre en medio de la nada. En la penumbra, una silueta dialoga con un saco que flota de ausencia. ¿Cómo siente un abrazo que ya no está, una identidad prestada, un fantasma que se niega a caer? Suspendida entre la luz y la sombra, esta pieza se convierte en una metáfora visual: el intento desesperado —y extrañamente hermoso— de flotar con el peso de lo que ya se ha ido.

Ficha técnica

Sofía Coloccini intérprete / Lucía Quiroga asistencia aérea y de montaje / Lucas Roldán Diseño y operador de luces

SBI, quién nos protege?

SBI, ¿quién nos protege? Es una pieza corta de danza creada e interpretada por Puca Nela y Flory Álvarez. La propuesta toma el lenguaje de la acción y lo traslada al movimiento para explorar la resistencia, el cuidado y la vulnerabilidad como formas de supervivencia compartida. Entre la tensión, el riesgo y el sostén mutuo, la pieza construye un recorrido físico que indaga en las formas de protección ante aquello que amenaza, desgasta y pone en crisis.

Ficha artística:
Creación e interpretación: Puca Nela y Flory Álvarez
Diseño y operación lumínica: Tania Scaglione
Operador sonido: Ignacio Vega Dávalos

Cartas a una joven bailarina

(fragmentos de la obra “Materia Bruta”-2025*) de Inés Armas

Una coreografía guardada en un cajón por más de 30 años. Un pacto para siempre por la danza. ¿Una traición?

Dos niñas sueñan con ser grandes artistas, se miden, se ayudan, compiten, se quieren, se desafían, se escriben cartas durante 15 años, crecen y cada una construye una vida con la memoria de esa unión

Ficha artística

Intérprete y Dirección: Inés Armas

Diseño de iluminación: Adrián Grimozzi

Vestuario: Florencia Maché

(*) Esta obra surge de fragmentos de la obra Materia Bruta estrenada en Fundación Cazadores, ciclo Instalar Danza 2025 junto al equipo integrado por Juan Salvador Giménez Farfán, Francisca Zabala, Florencia Macché, Abril Lis Varela y Francisco Cossavella

Samplers (Uruguay)

“SAMPLERS, tecnología ancestral” reflexiona sobre la resignificación de la memoria no sólo como un acto individual, sino como una práctica colectiva que atraviesa generaciones. A través del cuerpo, la música y la tecnología, proponen nuevas formas de contar historias y comprender la historia misma. Resignifica El Archivo Familiar, convirtiéndolo en una fuente viva de creación artística, conocimiento social y memoria compartida. La obra invita al público a reflexionar sobre cómo se transmiten los saberes a lo largo del tiempo y el constante diálogo entre lo ancestral y lo contemporáneo, lo íntimo y lo universal, donde las memorias se reescriben incesantemente a través del movimiento.

Ficha técnica

Eugenia Silveira Chirimini

Daniel Márquez

Paula Rodhe

Paola Escotto

Viernes 11 de septiembre

Museo Macro

17hs – entrada gratuita

EL GESTO DE LO QUE RESPIRA. Una experiencia performática a partir de la poesía de Claudia Masin

Compañía: Compañía Las García

EL GESTO DE LO QUE RESPIRA es una experiencia performática que se propone un cruce de lenguajes desde la poesía de Claudia Masin entre, la performance, la danza, el teatro y la sonoridad del cuerpo en relación con objetos y materialidades de la naturaleza.
Es una obra minimalista, sin artificios. Una propuesta intimista y conmovedora que nos invita a la contemplación. Su desarrollo temporal aborda ritmos e imaginarios que llevan al espectador a sumergirse dentro del mundo natural y animal, despertando la inquietud por la poesía. Una experiencia para encontrarse con la propia voz.
La obra dialoga con temas vinculados a los feminismos, el ecocidio, la soledad, los vínculos entre cuerpos y materias vivas, la muerte, lo humano, lo animal, la belleza, el deseo, lo posible, lo imaginable, lo onírico.

Ficha artística:
Idea original e interpretación: Romina Bozzini García @rominabozzini
Dirección: Yerutí García Arocena @yerutiga
Textos / Poemas originales: Claudia Masin @claudiamasin1
Diseño y realización de vestuario: EstudioQUIER: @quier_argentina @silviaquerede @noeli_gom
Diseño Lumínico: Yerutí García Arocena, Romina Bozzini García.
Asesoría técnica en diseño de iluminación: Nacho Farías @nacho.fariasteatro
Diseño sonoro: Juani Favre @juani.favre
Diseño gráfico, fotografía y arte audiovisual: @arcastudiooficial @arielgaunarojas
Colaboración artística: Cecilia Colacrai @ceciliacolacrai
Pre producción: Julia Tarditti @julia_tarditti
Producción general: Compañía Las García

Explanada Museo Macro

18 hs

Jam en espacio público

Suspensión (Compañía Interna)

Caos (Escuela de formación artística Anna Pavlova)

Balbuceando Amor (Fernando Vaschetto)

Cóncavo y convexo (Técnicas de la danza contemporánea IV, ISPD 5929)

Bajo la piel (Movimiento impulso)

Restos de luz (Estudio Cadiz)

Esto es bailar (Escuela Jaibe danzas)

Témpano (Elenco Jaibe)

Cuerpos en (des)hacer (Aire espacio cultural)

Máquina escénica (Koi ballet)

La mal querida (Grupo independiente de danza Ya Somos)

La memoria necesita escenarios para seguir escribiendo (Play estudio)

Oxígeno (Play estudio)

Más allá: Destello

El bosque en la calle (El Bosque espacio físico)

Coreografía united in grief (Grupo independiente)

19 hs – Festichola al aire libre

Sábado 12 de septiembre

Peatonal (San Martín y Córdoba)

12 hs – gratis

Andamio a la memoria

Intervención histórica desde la danza. A 50 años del Golpe de Estado de 1976 en el 25 aniversario del Festival El Cruce

Lo escénico, lo extracotidiano, el artificio real de los cuerpos en función poética abre interrogantes, evoca hechos, apela a las memorias sensoriales. Voces que convocan imágenes, recuerdos, situaciones vividas. Acciones que interpelan, afectan sin que se pueda poner nombre exacto, más allá del significante o rompiendo a veces esas relaciones ya instaladas del lenguaje. Cuerpos fundidos entre sí, cercanos, íntimos, abrazados, caídos, sostenidos, que sueñan, que corren, caen, se levantan, ambiguos, sorpresivos. Memoria desplegada en la afectación inevitable de ese aquí y ahora compartido entre quienes ¿actúan? y quienes ¿miran?

Elencos y estudiantes del Instituto Superior Provincial de Danzas Isabel Taboga. Directores de Elencos: Brenda Parent, Diego Stocco, Florencia Passoni y Catalina Vitaz Caila. Ambiente sonoro: Julieta Almirón Coordinación General: María Caila

Litoral

Compañía: Fers Brito Producciones.

Fiera es un viaje coreográfico de alta intensidad donde la rueda Cyr y el cuerpo del acróbata se funden en una sola criatura en evolución. La pieza explora la metamorfosis del intérprete a través de los estados físicos de los animales salvajes: la velocidad, el estado de alerta, la ferocidad y la belleza plástica de la supervivencia.

El espacio escénico se divide en dos mundos: el suelo, donde el artista despliega una danza animal, visceral y terrenal; y el interior de la rueda, donde esa misma energía salvaje se canaliza en giros vertiginosos, dinámicas de equilibrio precario y una fuerza gravitatoria que desafía los límites humanos. Más que una demostración técnica, esta performance es un despliegue de energía pura, un ritual contemporáneo donde el metal de la rueda Cyr se vuelve orgánico y el cuerpo humano recupera su memoria más primitiva.

Ficha artística:
Fernando Brito

La Novia Pájaro

Compañía: Azul Jaimes

“La Novia Pájaro” es una unidad escénica unipersonal que fusiona circo, teatro y danza para construir una distopía sensible atravesada por la esperanza. La obra toma elementos del género hopepunk y presenta a Paloma, la única sobreviviente de una tercera guerra mundial, quien se resiste a aceptar la soledad como destino y continúa buscando rastros de vida entre las ruinas.
Ficha artística:
Dramaturgia y dirección teatral: Silvia Ferrari
Coreografía y asistencia sonora: Antonela Pereyra
Audiovisual: Leandro Federico
Escenografía y utilería: Leandro Simoniello
Diseño gráfico: Irene Bertaccini
Creación, interpretación, vestuario y producción: Azul Jaimes

Diego y Ulises

Compañía: Colectivo Escénico Ficción Física

“Diego y Ulises” es la obra que dio origen al Colectivo Ficción Física y que construyó un recorrido nacional e internacional, consolidándose como una propuesta sensible y potente dentro de la escena de la danza independiente local. A través de una dramaturgia íntima e intensa la obra invita a reflexionar sobre la danza, los vínculos, la identidad y los modos en que los afectos atraviesan nuestras vidas. Su permanencia en el tiempo y el diálogo que establece con diversos públicos dan cuenta de la vigencia de las preguntas que la obra pone en escena.

Ficha artística:
En escena: Diego Stocco, Ulises Fernández
Vestuario: Cristian Ayala
Dirección: Marcelo Díaz
Técnica: Mauro Cappadoro

El cuadrado

Compañía: El Taller

Una recreación del Taller de danza contemporánea de la escuela Nigelia Soria, con la dirección de Cristina Prates.
Esta obra aparece en la década del 90, como en la actualidad, el espacio para danzar nos quedaba chico. Pero las ganas, el entusiasmo y el amor por la danza eran motor de creación. ¿Cómo componer, investigar, dar continuidad, crear danza en un salón de 2×2?
Mientras reclamamos (y seguimos reclamando) en las calles, pidiendo mejoras para la escuela pública buscamos transformar un límite en una posibilidad.¡Bailemos en un cuadrado! Dijo La Prates! Entre la ironía y el juego aparece esta pieza de danza que fue trasmitida de generación en generación por las personas que integraron El Taller. Tres décadas después, surge esta tercera puesta.
¿Cuál será el destino de este nuevo cuadrado? ¿Qué universos traerá, para dejar plasmado, en este tiempo y espacio? ¿Cuáles serán los bordes en este presente? que parece por momentos no haber cambiado mucho ¿o sí?

Ficha artística:
Integrantes:
Soledad Prince, Nadia Dainotto, Sonia García, Elina Ruiz, Carina Medina, Florencia Rocco, Lucia Animendi, Yamile Salman, Irene Finkelstein, Yerutí García Arocena.
Coordinación de El Taller: Cristina Prates.
Coordinación Recreación: Yerutí García Arocena.
Creación grupal.

La poesía está en las calles

Compañía: Grupo La Poesía

La poesía está en las calles es una obra escénica contemporánea de creación colectiva donde la danza se nutre de elementos del teatro físico, la performance y el arte político. La obra se concibe desarmable y adaptable a diferentes espacios y contextos, las unidades escénicas pueden presentarse de manera independiente como intervención o performance. La selección de materiales escénicos que serán parte de esta presentación en el festival serán definidos en relación al espacio a intervenir. Esta obra sostiene la vigencia del arte como herramienta de memoria activa, pensamiento disidente y transformación colectiva que vincula las luchas del pasado con los activismos del presente. El sentido emerge en la tensión entre lo simbólico y lo real, entre la evocación poética y el testimonio. La obra se sumerge en un entramado de imágenes, una acumulación de signos, gestos y materiales escénicos que invitan al espectador a habitar este manifiesto y articular activamente su propia lectura.

Ficha artística:
En escena: Albertina Andrés, Carolina Bonel, Daniel Cabral, Ema Docampo, Malena Mattos, Matilda Micol, Naiara Pace, Jotta Scusolin, Fabrizio Sosa, Florencia Tonello, Magdalena Torno.
Creación colectiva
Idea, puesta en escena y dirección: Virginia Tuttolomondo

CCPE Centro Cultural Parque de España (Sarmiento y el río)

20 hs – gratis

(***No más Sacre*) España**

NO/MAS/SACRE se opone a un diálogo trivial con Stravinsky, sumergiéndose por completo en la complejidad que lo atraviesa. Dirigida por Reinaldo Ribeiro y en colaboración con la bailarina Aymará Parola y la pianista Lea Petra, reclama el derecho a la ira, el virtuosismo y “…exceso, bello exceso». Exceso liberador, exceso que pone en evidencia la represión de una sociedad” (Angelica Liddell). La pieza se despliega dentro del aparente triángulo clásico de piano, pianista y bailarina, para subvertir las expectativas a través de un vertiginoso ritual de lo lúdico, lo grotesco y lo transgresor.

Concepto y dirección: Reinaldo Ribeiro.

Interpretación y movimiento: Aymará Parola.

Interpretación y música en vivo: Lea Petra

Dramaturgia: Ida Daniel

Diseño de iluminación: Alfredo Diez.

Diseño de vestuario: Miguel Olmeda

Espacio escénico: Víctor Colmenero

Producción: Beatriz Bello

Domingo 13 de septiembre

18 hs. Entrada $10mil

Plataforma Lavardén (Mendoza 1085)

Pieles, relatos de un territorio

Compañía: Pieles

Pieles es una obra donde danza, poesía, fotografía y música dialogan para explorar el vínculo indisoluble entre el cuerpo y la naturaleza. A través de una metáfora sensorial, la pieza expone el proceso de descascaramiento de los territorios, equiparando la piel vegetal del planeta a la piel desollada del territorio cuerpo. En escena la bailarina interactúa con proyecciones fotográficas que registran la vida rural y la devastación ambiental —el desmonte, las quemas y los agrotóxicos—, transformando la imagen en la escenografía misma. Un vestuario de capas claras se despoja para evocar la desnudez y el desarraigo. La experiencia se completa con un potente paisaje sonoro original que fusiona voces en off, sonidos crudos del entorno e instrumentos tradicionales, invitando a brotar de nuevo en condiciones extremas.
Ficha artística:
Idea original y textos: Natalia Benedetto
Dirección: Severo Callaci
Bailarina: Natalia Benedetto
Música original: Martín Reinoso
Investigación visual con video y Fotografía: Matías Sarlo
Producción/técnica: Evangelina Jakas
Tráiler: Marcos Garfagnoli
Vestuario: Florencia Marting
Luces: Ignacio Calluso
Grabación sonora: Martín Reinoso

3, 2, 1… ¡El Azar Corta!

Compañía:
Compañía Interna

“321: El Azar Corta” es un proyecto artístico-cultural que, bajo la visión de su creadora, busca fusionar las disciplinas de la danza, el teatro, la pintura, la escultura, la magia y la música.
Se imagina un juego interactivo donde los espectadores son más que simples observadores, son co-creadores en cada escenario. A través de este formato innovador, los asistentes serán invitados a interactuar físicamente, llevando a cabo un diálogo dinámico y enriquecedor con los artistas en tiempo real.
El guión se convierte en un esbozo inspirador, facilitando un vínculo entre los distintos artistas y culminando en una manifestación artística única e irrepetible al momento de cada presentación, como una Ceremonia Creativa. La obra contiene 3 partes, la primera inspirada en 3 poemas, la segunda en dos relatos y la tercera en una novela.

Ficha artística:

Idea Original y dirección Paula Percivalle
Dirección teatral Tania Scaglione
Pintor y escenógrafo Jorge Molina
Música original Joel Tortul
Música en vivo An Maeyaert
Intérpretes Bárbara Scarparo, Sofía Pichetto, Maricel Villafañe, Ignacio Sorrequieta, Guillermo Acosta Ever Lisandro Tolarovic
Producción Evangelina Jakas
Gestión Cultural Benoit Mangin
Fotografía Alejandra Boccardo

Voces en Hebras

Compañía:
Elenco de Expresión Corporal del ISPD N°5929

La obra se desarrolla a través de acciones físicas, composiciones grupales, dúos y solos que construyen una trama poética en torno a la violencia, el cuidado y la transformación colectiva. Los cuerpos se sostienen, se trasladan y se acompañan, configurando imágenes de vulnerabilidad, resistencia y encuentro. La escena presenta una figura asociada al silenciamiento y la violencia, cuya presencia atraviesa distintos momentos de la obra. En contraste, el grupo despliega estrategias de búsqueda, nombramiento y organización comunitaria que culminan en una acción colectiva de confrontación y transformación. La incorporación de la voz y el canto amplifica el carácter ritual de la propuesta, que explora la potencia de lo común como respuesta frente al aislamiento y la opresión.

Intérpretes: Baltieri, Casandro; Díaz Montoya, Nicolás; Gonzalez, María Paz; Militano, María Carolina; Vega Dávalos, Ignacio; Herrera, Sonia Irene; Docampo, Ema; estudiantes de P.E.D 1 y 2.

Asesoramiento de vestuario: Cristian Ayala.

Registro audiovisual: Paulín Oviedo, Manuel Morán.

Dirección: Catalina Vittaz Caila

ROCE

Dispositivo performático que poetiza la afección de los procesos y materiales por el hacer del tiempo. Conforma un gesto artístico que rescata las posibilidades de copresencia y contemplación en torno a una serie de experimentos y fenómenos donde los cuerpos se encuentran en jaque.

Ficha artística:
Performance: Paula Ortín, Analía Rodríaguez, Virginia Tuttolomondo y Valeria Rico.
Producción: Paula Ortín, Valeria Martínez y Ariel Gauna Rojas.
Propuesta coreográfica: Valeria Martínez.
Diseño visual e instalativo: Ariel Gauna Rojas.
Dirección: Valeria Martínez y Ariel Gauna Rojas.

NO se desvanece

Compañía: NO se desvanece

“Se desvanece” fue estrenada en el año 2006 y en ese mismo año se presentó un fragmento en El Cruce ‘06.
Aquella grupalidad que se construyó alrededor de la obra se mantuvo a través de los años celebrando la amistad. Cada tanto surgía el deseo de retomar la obra.
A partir de esta convocatoria se encuentra la oportunidad de concretar ese anhelo.
¿Qué recuerdos persisten de aquel proceso?
Apelando a la noción de cuerpo como archivo capaz de acopiar vivencias, gestos, sensaciones, tensiones, se parte desde «lo que quedó» en la memoria corporal como huella o vestigio. Recuerdos físicos, señales que aún perduran, para descubrir su potencial actual y resignificarlas en el presente.
En aquel entonces jugando con el diálogo entre peso y liviandad, produciendo imágenes que actúen y reaccionen por un antagonismo intrínseco.
Hoy el diálogo se da entre lo que se pierde y lo que No se desvanece.

Ficha artística:
En escena: Carolina Iglesias, María Eugenia Porcel de Peralta, Rut Pellerano, Sonia Petric.
Coordinación: Ana Varela

Cierre del festival con Live Set Audiovisual de NUÑZ (CABA) en la terraza de Plataforma Lavardén

Otros espacios de formación e intercambio

– todas las charlas son gratuitas-

Miércoles 9 de septiembre

18 hs – Plataforma Lavardén (Mendoza 1085)

25 ediciones (Instalación performática)

Actividad que acompaña al público desde su ingreso al edificio hasta el Gran Salón del quinto piso de Plataforma Lavardén. El recorrido propone una experiencia inmersiva que recupera la memoria del festival a través de fotografías, afiches, archivos sonoros, acciones performáticas e intervenciones participativas.

Jueves 10 de septiembre

De 10 a 12 hs – MESA REDONDA – Biblioteca Facultad de Humanidades

PERIFERIAS COMPARTIDAS. Derivas, desafíos y potencias de las prácticas asociativas en gestión cultural independiente en el contexto iberoamericano.

Gestoras y gestores de espacios culturales se encuentran para dialogar acerca de las prácticas de colaboración para la realización y sostenibilidad de proyectos culturales.

Santiago Turenne – Representante PID Uruguay y director área de Danza del Instituto Nacional de Artes Escénica de Uruguay

Adriana Benzaquem Representante MICA

Verónica Rodríguez – Festival El Cruce

Iván Sánchez Ramirez – Bienal de Danza de Valparaíso, Chile

Maripaz Briones -Festival LOFT – Escénica en Movimiento (Concepción, Chile)

Viernes 11 de septiembre

De 11 a 13 hs en Salón del Cuerpo Plataforma Lavarden

Taller de Técnica Graham (con Inés Armas)

La danza trasciende el cuerpo físico y explora la resonancia del movimiento en el plano emocional, energético y sutil.

En Graham el cuerpo se mueve desde el impulso rítmico respiratorio (principio de la

contracción-release) y establece un sistema de recorridos helicoidales que proponen un viaje entre el centro del cuerpo y las extremidades. Este viaje se hace perceptible a través de conexiones neurosensoriales que afinamos en nuestra práctica. Todos estos fundamentos serán investigados en cada clase y partiendo de los mismos se generarán los ejercicios y las secuencias de movimiento. El trabajo se basa en el autoconocimiento y en el respeto de la corporalidad de cada estudiante, invitando a que descubra los principios de la técnica en su propio cuerpo

Nivel; principiante/intermedio

Dirigido a: bailarines, performers, estudiantes de danza o disciplinas de movimiento

Sábado 12 y domingo 13 de septiembre

Sábado 12/9 de 14 a 18 horas y Domingo 13/9 de 10 a 14 hs

Plataforma Lavarden ̈Salón del cuerpo ̈

Tres esferas. Seminario Eugenia Estévez

Tres esferas forma parte de la investigación dedicada al estudio de la dramaturgia emergente del movimiento-moviente: una perspectiva en la que el movimiento se siente a sí mismo y, como un no-cuerpo vivo, va creando su propia dramaturgia.

A través de la atención a los pesos, tonos, velocidades y continuas reconfiguraciones cualitativas de las relaciones entre pelvis, caja torácica y cabeza, este seminario propone investigar la metaestabilidad como equilibrio dinámico.

Captar las modulaciones entre comprensión y expansión, y los intervalos entre los sensible y lo consciente. Atender a las fuerzas potenciales atravesando el umbral donde la direccionalidad comienza a reunirse antes de su actualización.